Charles Demuth a peint deux mondes que l’on sépare souvent : des scènes intimes peuplées de marins, d’artistes de cabaret et de corps masculins, et des usines de Lancaster ramenées à une géométrie nette. Vous trouverez ici sa vie, ses influences, ses œuvres majeures, sa technique à l’aquarelle et les vérifications à faire avant d’acheter une œuvre originale ou une reproduction.
Qui était Charles Demuth ?
Charles Demuth est un peintre américain qui a traversé les premières décennies du modernisme. Sa trajectoire part d’une ville industrielle de Pennsylvanie, passe par Paris et les cercles d’avant-garde, puis se fixe entre New York et sa ville natale.
Lancaster, l’enfance et la formation
Charles Henry Buckius Demuth naît le 8 novembre 1883 à Lancaster, en Pennsylvanie, et y meurt le 23 octobre 1935. Pendant son enfance, une affection de la hanche limite durablement ses déplacements. Sa famille encourage alors le dessin et la peinture, une pratique qu’il peut exercer malgré ce handicap.
Après des cours au Drexel Institute, à Philadelphie, il entre à la Pennsylvania Academy of the Fine Arts, où il étudie de 1905 à 1911. William Merritt Chase compte parmi ses professeurs.
Paris et la découverte des avant-gardes
Demuth séjourne à Paris dès 1907 et revient en Europe au début des années 1910. Ces voyages lui font découvrir les avant-gardes européennes, en particulier le cubisme, dont la décomposition des formes en plans marquera ensuite ses paysages.
À Paris, le peintre Marsden Hartley joue auprès de lui le rôle de mentor. Hartley l’introduit dans les cercles de l’avant-garde et lui fait rencontrer Gertrude Stein.
Les réseaux modernistes et la carrière
De retour aux États-Unis, Demuth fréquente les milieux modernistes de New York. Il s’y lie notamment avec Georgia O’Keeffe et Marcel Duchamp.
En 1914, il présente sa première exposition personnelle. La même année, il commence à passer ses étés à Provincetown, dans le Massachusetts, où se croisent artistes et écrivains.
À partir de 1920, le diabète affaiblit sa santé, et la maladie est diagnostiquée en 1921. Demuth continue pourtant à travailler jusqu’à ses dernières années, partageant son temps entre Lancaster et New York.
Corps masculin et scènes intimes chez Demuth
Demuth était homosexuel, et une part de ses aquarelles montre des marins, des bains publics, des spectacles et des lieux de vie nocturne. Dans ces images, les regards, la proximité des corps et l’atmosphère peuvent porter un sous-texte homoérotique, sans prouver pour autant une relation vécue.
Marins et désir suggéré
Marins danseurs (1917) montre trois couples sur une piste, dont l’un est formé de deux marins. Cette aquarelle sur graphite de 20,4 × 25,7 cm est restée dans la sphère privée de l’artiste de son vivant. Selon le Philadelphia Museum of Art, Three Sailors on the Beach (1930) représente des marins dénudés, et les initiales de Charles Demuth apparaissent dans un cœur tatoué sur le bras de l’un d’eux.
Spectacles, récits et sociabilités bohèmes
Entre 1914 et 1919, Demuth tire de la littérature une série d’aquarelles où la scène, le café et le salon deviennent des lieux d’observation des corps. Plusieurs ensembles se détachent.
Le Whitney Museum of American Art relève, dans Distinguished Air, l’attention portée au corps d’un marin et aux regards échangés : le désir masculin y est suggéré, jamais montré. L’œuvre associe aquarelle et graphite sur une feuille irrégulière de 41,3 × 31 cm.
Mon Avis
je distingue toujours une œuvre explicitement sexuelle d’une image homoérotique fondée sur l’allusion, et Demuth appartient à la seconde famille, ce qui rend son regard plus proche du nôtre que de l’imagerie militante.
Ce que les archives disent de sa vie
Il n’existe pas de fonds complet des papiers personnels de Demuth. Ce qui subsiste comprend surtout des lettres reçues de ses correspondants, parmi lesquels le critique Henry McBride.
Le rapport The Queer Life of Charles Demuth, remis par Susan Ferentinos le 13 janvier 2023, croise indices biographiques, images et milieux sociaux liés à sa sexualité. Les sources citées n’établissent par écrit aucune relation amoureuse durable précise, et une image ambiguë ne suffit pas à reconstituer sa vie sentimentale.
Le Travail d’Haroboz
Également fan d’Art et de Design.
Le précisionnisme et les œuvres majeures de Demuth
Demuth est aussi l’un des visages du précisionnisme, courant qui applique une géométrie rigoureuse aux paysages bâtis. Ses usines, ses toits et ses portraits symboliques forment la face publique de son œuvre.
Une géométrie issue du modernisme américain
Le précisionnisme se développe surtout dans les années 1910 et 1920. Il privilégie des contours nets, dits hard-edged, des volumes simplifiés et des structures géométriques, appliqués à l’architecture et à l’industrie. Dès 1916, Demuth découpe certains paysages en régions de couleur inspirées du cubisme.
Aux Bermudes, en 1916-1917, aux côtés de Marsden Hartley, il confronte les courbes des arbres à la géométrie des maisons. Après 1917, il délaisse les gratte-ciel et les ponts de New York, sujets favoris de son entourage, pour les usines et les entrepôts de sa ville.
Les paysages industriels de Lancaster
Dans Red Chimneys (1918), cheminées et toits deviennent un motif géométrique. Selon la Phillips Collection, cette aquarelle sur graphite mesure environ 25,7 × 35,6 cm. Plus tard, dans Buildings, Lancaster (1930), il intègre enseignes et lettres commerciales à des architectures aux arêtes tranchées.
Son paysage industriel My Egypt (1927) représente un silo à grains en béton construit en 1919 à Lancaster, que diagonales lumineuses et volumes simplifiés transforment en monument. Le Whitney Museum of American Art décrit une peinture à l’huile, à la craie préparée et au graphite sur panneau de composition, de 91,3 × 76,2 cm. Le titre évoque les pyramides, mais autorise aussi une lecture plus sombre de l’isolement de l’artiste.
Les portraits-affiches et le chiffre cinq
En 1923, Demuth conçoit une série de portraits-affiches de ses amis écrivains et artistes. Il les représente par des lettres, des chiffres et des symboles plutôt que par leurs traits. Le projet est abandonné en 1929 sans que l’ensemble prévu soit achevé.
I Saw the Figure 5 in Gold (1928) rend hommage au poète William Carlos Williams à partir de son poème The Great Figure : le cinq répété évoque un camion de pompiers traversant une rue de nuit. Le Metropolitan Museum of Art décrit une œuvre à l’huile, au graphite, à l’encre et à la feuille d’or sur carton, de 90,2 × 76,2 cm.
L’aquarelle, fil conducteur de l’œuvre de Demuth
L’aquarelle relie toutes les périodes de Charles Demuth. Ses marins, ses toits et ses bouquets partagent la même manière de poser la couleur à l’intérieur d’un dessin précis.
Une technique pour les figures et les paysages
Demuth emploie l’aquarelle aussi bien pour les scènes de spectacle que pour les natures mortes, et son intérêt pour l’architecture industrielle n’interrompt jamais ses fleurs. Plusieurs constantes reviennent d’une feuille à l’autre.
Dans Provincetown Rooftops (1916), les lavis restent contenus dans les contours au crayon de chaque forme. Vous y voyez déjà la discipline que le précisionnisme rendra systématique.
Fleurs et fruits, du lavis à la structure
Les fleurs (flowers, dans les catalogues anglophones) comptent parmi ses premiers sujets et l’accompagnent toute sa vie. Il y ajoute ensuite des fruits et d’autres objets.
Dans Tulips (vers 1926), l’esquisse au crayon précède la couleur et en reste visible. Zinnias and a Blue Dish with Lemons (1924) réunit fleurs, fruits et objets : la National Gallery of Art la décrit comme une aquarelle sur graphite sur papier vélin.
Avec Red Poppies (1929), contours et couleurs s’affirment nettement par rapport à certaines aquarelles botaniques antérieures.
Originaux et reproductions sur le marché
Une aquarelle originale de Demuth, une estampe originale et une reproduction imprimée sont trois objets différents. Pour une œuvre présentée comme originale, vous devez vérifier l’attribution, la provenance, la technique, le support et l’état de conservation.
La mention « watercolor on paper » d’une notice anglophone se compare aux techniques et dimensions des œuvres documentées dans les musées : support, pigments et dessin peuvent être confrontés aux feuilles conservées dans les collections.
Les annonces de galeries et les résultats d’enchères aident à repérer des œuvres passées en vente, mais une annonce encore en ligne ne prouve pas qu’une pièce reste disponible. Un historique de vente aux enchères documente une transaction, pas une offre actuelle.
Attention
je vois souvent des acheteurs prendre une signature imprimée dans l’image pour une signature manuscrite, alors qu’elle fait simplement partie de la reproduction.
Foire aux questions
Rédigé par
Jim Zielenkiewicz
Accompagnateur d’artistes
Formé chez Traffic Creative Management à New York, aujourd’hui dirigeant d’AAZ Galerie, il accompagne les artistes dans leur développement commercial et digital.
